Miu Miu, 상하이에서 Tales & Tellers 3번째 에디션 개최

Event

 

미우미우(Miu Miu)는 지난 6월 5일 상하이 전시센터(Shanghai Exhibition Center)에서 비공개 프리뷰 행사(vernissage)를 개최하며, 국제 프로젝트 **《Tales & Tellers》**의 세 번째 글로벌 에디션을 공개했다. 이어 6월 6일부터 7일까지 일반 관람객에게도 개방되었다.

이 프로젝트는 Miuccia Prada가 기획한 것으로, 패션, 영화, 퍼포먼스, 현대미술이 만나는 지점을 탐구하는 미우미우의 지속적인 실험 정신을 보여준다. 또한 개최 도시마다 새로운 공간과 맥락에 맞춰 재해석되는 장소 특정적(site-specific) 형식을 통해 브랜드의 문화적 서사를 확장하고 있다.

다양한 분야를 아우르는 아티스트 Goshka Macuga가 구상하고, 큐레이터 Elvira Dyangani Ose가 총괄했으며, 연극·오페라 연출가 Fabio Cherstich가 참여하여 완성된 **《Tales & Tellers》**는 미우미우의 장기 프로젝트인 ‘Women’s Tales’ 영화 시리즈와 2022년 봄부터 2025년 봄까지 브랜드 런웨이에서 선보인 다양한 예술적 개입을 기반으로 한다.

상하이 에디션은 지금까지 제작된 31편의 Women’s Tales 영화 전편과 7개의 예술 협업 프로젝트를 모두 포함하며, 영화 속 인물과 서사를 실제 퍼포먼스 환경 속으로 확장시킨다.

전시 공간 안에서 배우들은 영화와 예술 프로젝트에 등장했던 인물들을 직접 구현하며, 기록된 영상과 라이브 퍼포먼스 사이에 끊임없는 대화를 만들어낸다. 반복되는 몸짓과 상호작용, 움직임을 통해 퍼포머들은 자신이 맡은 이야기의 ‘전달자’ 역할을 수행하며, 영화적 서사를 집단적이고 유기적으로 변화하는 경험으로 전환시킨다.

《Tales & Tellers》는 2024년 Palais d’Iéna에서 열린 Art Basel Paris 기간 중 처음 공개되었으며, 2025년에는 Terminal Warehouse에서 새로운 형태로 재해석되었다. 이번 상하이 전시는 이러한 흐름을 이어가는 세 번째 버전으로, 또 한 번 새로운 맥락에 맞춰 재구성되었다.

프로젝트는 매번 새로운 개최지에 맞춰 진화하는 방식을 유지하고 있으며, 새로운 Women’s Tales 작품들을 지속적으로 포함하는 동시에 개최 도시의 문화적·건축적 특성을 반영해 그 의미를 확장하고 있다.

상하이 전시센터를 개최 장소로 선택한 것은 이 프로젝트가 탐구하는 서사와 이데올로기에 또 다른 의미를 더한다. 이 건물은 1955년 중소우호회관(Sino-Soviet Friendship Building)으로 건립된 상징적인 랜드마크로, 러시아 신고전주의 건축 양식과 사회주의 리얼리즘 요소가 결합된 독특한 건축적 특징을 지니고 있다.

세계적인 건축 및 리서치 스튜디오 OMA / AMO가 맡은 설치 디자인은 이러한 건물의 역사적 맥락과 적극적으로 상호작용하며, 공간을 단순한 전시 장소가 아닌 작품 해석 과정에 직접 참여하는 하나의 주체로 기능하도록 구성했다.

럭셔리 브랜드들이 기존의 리테일과 패션쇼 중심 활동을 넘어 문화 프로그램에 대한 투자를 확대하는 가운데, 《Tales & Tellers》는 미우미우가 스토리텔링과 예술적 협업, 그리고 현대 문화 속 여성의 목소리가 갖는 변화하는 역할을 탐구하는 대표적인 플랫폼으로 자리매김하고 있다.

 

참조 : 더임프레션 닷컴

로에베 재단 Craft Prize 2026, 박종진 작가 우승

Design

매년 진행되는 로에베의 수공예상은 재료 변형, 기술 및 혁신을 탐구하는 실험적 공예를 기리는 상이다

 

2026 로에베 재단 크래프트 프라이즈(Loewe Foundation Craft Prize) 최고상이 한국 작가 박종진에게 돌아갔다.

박종진 작가의 ‘Strata of Illusion’은 도자의 층(layer), 표면, 구조를 탐구하며 조형성과 물성 사이의 긴장을 보여주는 작품으로 평가받았다. 작품은 착시(illusion)와 축적(strata)의 개념을 통해 도자라는 전통 매체를 현대적 조형 언어로 확장한다.

특히 총 133개국의 작가들의 작품 5,100여 점이 출품된 가운데 박종진 작가 외 한국 작가 5인(조수현, 이종인, 이소명, 박지은, 성코코)이 최종 이름을 올려 한국 공예의 세계적 위상을 또다시 입증하였으며, 한국 공예와 도예가 국제 디자인·아트 플랫폼 안에서 다시 한번 주목받는 계기가 될 것으로 보인다.

Jongjin Park

박종진 작가는 디자인, 건축, 비평, 뮤지엄 큐레이션 분야의 국제 심사위원단의 삼사로 30명의 최종 후보 가운데 선정되었으며, 5만 유로의 상금을 수상했다.

수상작은 재료의 불안정성과 변형 과정을 기반으로, 도자에 대한 기존 인식을 새롭게 바라보게 만드는 작품으로 평가받았다.

박종진 작가의 작품은 의자 형태를 연상시키는 구조물 로 구성된다. 수천 장의 종이에 컬러 포슬린 슬립(colored porcelain slip)을 입혀 층층이 쌓아 올린 뒤 소성 과정을 거치는데, 이때 종이는 불 속에서 완전히 사라진다. 종이가 연소되면서 구조는 열과 중력의 영향 아래 자연스럽게 무너지고 뒤틀리며, 최종적으로는 작가의 의도와 재료 스스로의 움직임이 동시에 만든 조형물 이 남는다.

심사위원단은 성명을 통해 작품이 “도자가 무엇이 될 수 있는지에 대한 기대를 흔드는 힘” 을 가졌다고 평가했다. 또한 하나의 공예 전통에 머무르지 않고 여러 제작 방식을 동시에 참조한다는 점도 강조했다. 특히 소성 과정에서 종이가 사라지는 장면이 만들어내는 시적 감각, 그리고 최종 형태에 남는 “정직한 불완전함(honest imperfection)” 이 높은 평가를 받았다.

Loewe Jury

올해는 대상 외에도 두 개의 특별상(Special Mention) 이 수여됐다.

첫 번째 특별상은 가나의 장인 그룹 Baba Tree Master Weavers와 스페인 디자이너 Álvaro Catalán de Ocón의 협업 작품 〈Frafra Tapestry〉(2024) 에 돌아갔다.

이 작품은 가나 구룬시(Gurunsi) 지역 전통 마을의 항공 이미지를 바탕으로 제작된 대형 직조 작업이다. 프로젝트는 마드리드와 가나를 오가며 진행됐으며, 전통 바스켓 위빙 기법과 엘리펀트 그래스(elephant grass) 를 사용해 완성됐다. 오랜 직조 기술 위에 현대적 매핑(mapping) 기술을 결합해, 점차 사라지고 있는 지역 건축 문화를 기록하고 시각화하는 방식으로 접근했다.

심사위원단은 특히 조상 대대로 이어진 직조 방식과 현대 기술을 연결했다는 점, 그리고 위협받고 있는 건축 유산을 공예 언어 안에 담아냈다는 점을 높이 평가했다.

Álvaro Catalán de Ocón

두 번째 특별상은 이탈리아 주얼리 작가 Graziano Visintin에게 수여됐다.

수상작은 〈Collier〉(2025) 로, 고대 금속 공예 기법인 니엘로(niello) 를 활용해 장식한 작은 금 큐브들로 구성된 한 쌍의 네크리스 작품이다. 이것은 금속 표면에 검은색 합금을 채워 문양과 대비를 만드는 전통 금속 장식 기법으로, 오랜 역사와 높은 제작 난도를 가진 공예 방식으로 알려져 있다.

심사위원단은 이번 작품이 역사적인 공예 기술을 현대적인 조형 언어로 재해석했다는 점 을 높이 평가했으며, 특히 주얼리 표면 위에 구현된 회화적 표현, 즉 금속임에도 마치 그림처럼 보이는 질감과 색의 깊이가 인상적이라는 평가를 받았다.

이번 특별상은 로에베 재단 크래프트 프라이즈가 단순히 새로운 형태를 찾는 상이 아니라, 오래된 기술을 오늘의 언어로 다시 쓰는 작업 을 중요하게 바라보고 있음을 보여준다.

Graziano Visintin

2026 로에베 재단 크래프트 프라이즈 는 올해 전반적으로 긴장(tension), 변형(transformation), 그리고 재료 실험(material experimentation) 이라는 흐름을 중심에 두고 전개됐으며, 최종 후보작들은 도자, 텍스타일, 금속공예, 유리, 옻칠, 가구, 제본 등 다양한 분야를 아우르며 다음과 같은 대비와 균형을 탐구했다. 구조와 붕괴 (structure vs. collapse), 전통과 혁신 (tradition vs. innovation), 정밀함과 불완전함 (precision vs. imperfection)이 바로 그것이다

즉, 완성된 결과보다 재료가 변화하는 과정 자체, 그리고 그 안에서 발생하는 긴장과 우연성을 중요한 주제로 삼았다는 점이 특징이다.

최종 선정된 30점의 작품 은 National Gallery Singapore에서 2026년 5월 13일부터 6월 14일까지 전시되며 전시와 함께 공식 카탈로그가 발간되며, 온라인 디지털 프레젠테이션도 공개될 예정이다.

 

출처 : 더임프레션 닷컴, 월페이퍼

DIOR, Alex Chinneck 콜라보레이션 윈도우 디스플레이 공개

Collaboration

 

Dior는 영국 아티스트 알렉스 치넥(Alex Chinneck)와 협업해 House of Dior New York와 House of Dior Beverly Hills에 새로운 조형 윈도 디스플레이 시리즈를 선보였다. 이번 프로젝트는 패션과 공공예술 스펙터클 사이의 대화를 이어가고 있는 디올의 지속적인 행보를 보여준다.

대형 설치 작업으로 잘 알려진 알렉스 치넥은 건축 요소와 일상 오브제를 왜곡하고 재구성해 초현실적인 장면을 만들어내는 작업 방식으로 유명하다. 이번 프로젝트에서도 그는 각 도시를 상징하는 요소들을 유쾌하고 장난스러운 시선으로 재해석했다.

 
 

뉴욕 플래그십 스토어에서는 노란 택시, 신호등, 가로등, 전통적인 거리 시계 같은 도시의 상징들이 변형되고 왜곡된 형태로 등장한다. 익숙한 도시 풍경은 초현실주의적 감각 안에서 새롭게 배열되며, 일상적인 오브제가 예상치 못한 조형 언어로 바뀐다.

반면 베벌리힐스 설치 작업은 로스앤젤레스 특유의 시각 문화를 기반으로 한다. 상징적인 자동차와 가로등은 리본처럼 휘어지고, 나선형으로 꼬이거나 매듭 형태로 변형된다. 이러한 조형적 움직임은 리본, 실, 꾸뛰르 드레이핑(couture drapery)을 연상시키며, 패션 제작 과정에서 볼 수 있는 요소들을 과장된 도시 오브제로 번역한다.

이번 프로젝트는 리테일 공간을 몰입형 예술 환경으로 전환해온 디올의 오랜 접근 방식을 확장하는 동시에, 럭셔리 스토어 디자인에서 대형 체험형 설치(large-scale experiential installation)의 중요성이 커지고 있음을 다시 보여준다.

알렉스 치넥의 개입을 통해 일상적 도시 인프라는 연극적이고 장식적인 오브제로 변모한다. 그리고 그 순간, 도시 풍경과 조각, 그리고 꾸뛰르적 상상이 만나는 경계는 자연스럽게 흐려진다.

 

출처 : 더임프레션 닷컴

 

Espace Louis Vuitton Tokyo에서 열리는 Rina Banerjee 전시

Exhibition

 

에스파스 루이 비통 도쿄(Espace Louis Vuitton Tokyo)는 남아시아 디아스포라 작가 리나 바네르지(Rina Banerjee)에게 헌정하는 전시를 선보인다. 이번 전시는 에스파스 루이 비통 20주년과 퐁다시옹 루이 비통(Fondation Louis Vuitton)의 오르 레 뮈르(Hors-les-murs) 프로그램 10주년을 기념하는 자리이기도 하다.

 
 
 

전시 제목은 「You made me leave my happy home to become someone else anew, in diasporas without origin to be related again this is living and in this waits the joy of one earthly place, hope of eternal intimacy. Intimate in Nature.」로, 퐁다시옹 소장품 컬렉션에서 선별된 작품들을 한자리에 모아, 파리를 넘어 전 세계 관객에게 문화 프로그램을 확장하려는 그 사명을 이어간다.

바네르지의 작업은 식민주의의 유산과 세계적 교류의 흔적을 환기하는 독특한 재료의 집합으로 특징지어진다. 그의 조각과 설치 작업에는 직물, 깃털, 타조 알, 유리 샹들리에와 같은 발견된 오브제들이 사용되며, 여기에 면실과 코코넛 가루 같은 일상적 요소들이 더해진다. 이러한 재료들은 작가가 이른바 “열대 지대(the tropical zone)”라고 부르는 지역에서 자주 가져온 것들이다.
인도 세밀화, 중국의 비단 공예, 아즈텍 이미지 등 다양한 시각 전통에서 영감을 받은 그의 구성은 추상과 재현 사이에 존재하며, 식민주의적 시선을 거부하는 동시에 다층적이고 감각적인 서사를 구축한다.

Rina Banerjee

 

“관람자는 이 이국적인 오브제에 매혹되는 동시에, 그것이 드러내는 주장 앞에서 혼란을 느끼게 됩니다.” 바네르지는 이처럼 자신의 작업을 관통하는 긴장과 이중성을 설명한다. 지난 30여 년에 걸친 그녀의 작업은 이주, 정체성, 교역, 기후, 그리고 전통과 현대성 사이의 관계를 지속적으로 탐구해 왔으며, 그 바탕에는 탈식민주의 페미니즘의 시선이 놓여 있다.
크기와 색채, 형태를 달리하는 그녀의 조각적 인물상은 여성성의 재현 방식을 새롭게 사유하도록 이끈다. 이는 여신의 형상을 남성의 시선으로부터 해방시키고, 문화적 상상계를 지배해온 성적 대상화의 재현으로부터 벗어나게 하려는 시도로 읽힌다.

 
 

도쿄 전시에서는 설치, 조각, 회화를 아우르는 총 19점의 작품이 소개되며, 그 중심에는 퐁다시옹 루이 비통이 처음 선보이는 기념비적 작품 《In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous, polluted with excess pollination…》(2008) 이 자리한다. 천장에 매달린 돔 형태의 구조물과 그 아래로 흘러내리듯 펼쳐지는 요소들로 구성된 이 작품은, 쥘 베른의 『80일간의 세계 일주』에서 영감을 받아 세계 여행이 지닌 경이로움과 동시에 그 불안정성을 함께 비춘다.
이와 더불어 《Black Noodles》(2023) 도 함께 선보이는데, 이 설치작업은 인간의 머리카락이 국제적으로 거래되는 구조와 그에 따른 정치적 함의를 탐구한다.

또한 이번 전시에는 2026년에 제작된 최신 회화 작품들도 포함되는데, 바네르지는 이 작업들에서 남아시아의 도상과 재료를 결합해 힌두 여신을 연상시키는 여성 형상을 만들어낸다. 전시 전반에 걸쳐 그녀의 작업은 지리적·시간적 이동 속에서 형성되는, 유동적이고 초국가적인 정체성의 개념을 드러낸다.

뮌헨, 베니스, 베이징, 서울, 오사카에서도 전개되고 있는 오르 레 뮈르 프로그램의 일환으로 선보이는 이번 전시는, 국제적인 문화적 대화에 대한 퐁다시옹 루이 비통의 지속적인 의지를 보여주는 동시에, 바네르지의 작업을 보다 넓은 글로벌·제도적 맥락 속에 위치시킨다.