2025년 주목할만한 패션 전시회 리스트

Exhibition

 

여기에 2025년 한해를 문화 여행으로 채우고 싶은 사람들을 위한 전시들을 소개한다. 흥미로운 패션 관련 전시 일정들이 이미 발표되었으며, 현재 전시 중인 것들도 있다.


Du Coeur À La Main: 돌체 앤 가바나 / 그랑 팔레, 파리

이탈리아 패션 하우스 Dolce & Gabbana는 그들의 200개 작품을 모아 파리의 그랑 팔레의 Du Coeur À La Main(마음에서 손으로) 전시로 여행을 떠난다. 건축, 오페라, 시각 예술과 같은 영감을 주는 매체를 통해 방문객에게 브랜드의 디자인 접근 방식을 보여주며 Dolce & Gabbana 세계에 대한 몰입형 경험을 제공할 것이다.

기간 : 2025년 1월 10일~ 2025년 3월 31일


Splash! 수영과 스타일의 시대 / 디자인 박물관, 런던

디자인은 사람들의 수영 스타일에 어떤 역할을 했을까? 런던의 디자인 박물관의 방문객들은 다가올 이번 전시를 통해 다양한 유형의 수영복(1920년대부터 현재까지)과 환경 문제, 신체 이미지와 같이 더 깊은 주제의 심도있는 연구를 볼 수 있을 것이다.

기간 : 2025년 3월 28일 ~ 2025년 8월 17일


카르티에 / V&A 뮤지엄, 런던

영국에서 명품 브랜드가 30년 만에 개최하는 최초 대규모 회고전 ‘Cartier’에서는 유명 패션 하우스의 운영 방식을 다양하게 살펴볼 수 있다. 350개 이상의 보석과 시계를 선보이는 이 전시회는 카르티에의 창립부터 현재 전 세계의 왕족과 유명인에게 사랑받는 세계적인 업체가 되기까지의 그들의 진화를 보여준다. 주목할 만한 작품 중 하나는 카르티에 왕실 컬렉션에서 국왕이 대여해준 작품과 보관했던 물건, 그리고 보이지 않는 그림들이다.

기간 : 2025년 4월 12일 ~ 2025년 11월 16일


Superfine: Tailoring Black Style – 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕

올 봄, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 의상 연구소는 '블랙 댄디'에 초점을 맞출 예정이다. 미술관 웹사이트에 따르면, 이 전시는 특히 대서양 디아스포라에서 의복 스타일이 흑인 정체성 형성에 얼마나 중요한지를 보여준다. '댄디'라는 용어는 종종 스타일을 매우 중요시하고 이에 대한 규율을 가진 남자를 설명하는 데 사용된다.

"댄디즘은 18세기 유럽에서 대서양 노예 무역과 소비주의 문화의 영향으로 유행에 맞게 차려입거나 댄디화된 하인이라는 트렌드로 흑인 남성에게 처음 강요되었습니다. 댄디즘은 흑인에게 복장, 제스처, 아이러니, 유머를 통해 귀속된 정체성을 벗어나 정치적, 사회적 가능성을 구현할 수 있는 기회를 제공했습니다."

이 전시회는 매년 5월 첫 번째 월요일에 열리는 멧 갈라의 주제로도 사용된다.

기간: 2025년 5월 10일 ~ 2025년 10월 26일


디자인과 장애 – V&A 뮤지엄, 런던

'Design and Disability'는 디자인이 어떻게 사람들의 행동을 유도하며, 장애인, 청각 장애인, 신경 쇠약을 지닌 사람들과 커뮤니티 산업에 중요하고 급진적인 기여를 했는지 보여준다. 또한 패션, 사진, 예술 등이 포함된 이 전시는 장애인이 직접 디자인한 물건을 받침대에 올려놓아 크리에이티브가 어떻게 더 공평하고 접근 가능할 지 보여준다.

기간: 2025년 6월 17일 ~ 2026년 2월 15일


Blitz: 80년대를 대표하는 클럽 – 디자인 박물관, 런던

런던의 블리츠 클럽은 1980년대에 중요한 문화 허브였다. 음악 트렌드에 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 화려한 패션도 핵심 요소이다. 이 전시에서는 클럽의 영향력을 완벽하게 보여주는 의상, 그림, 사진, 비디오가 선보일 예정이다.

기간: 2025년 9월 19일 ~ 2026년 3월 29일


마리 앙투아네트 스타일 – V&A 뮤지엄, 런던

18세기 프랑스 패션의 절대 강자 여왕 마리 앙투아네트의 유산은 그녀의 불운을 뒤로하고 250년 이상 디자인, 패션, 영화에 영향을 미쳤다. 오브제들과 미디어에서 쿠튀리에의 가운에 이르기까지 이 전시는 모든 것을 통해 앙투아네트의 영향력이 왜 그토록 강했는지에 대한 질문을 던지고, 시대를 초월한 매력을 가진 복합적인 인물을 탐구한다.

기간 : 2025년 9월 20일 ~ 2026년 3월 22일


Iris van Herpen : 감각을 조각하다 / 로테르담 미술관, 쿤스트할

이 전시의 이름이 익숙하다면, 이 전시가 파리에서 먼저 데뷔했기 때문이다. 2025년에 'Iris van Herpen. Sculpting the Senses'는 네덜란드로 이동, Kunsthal Rotterdam에서 전시될 예정이다. 이 회고전은 패션, 현대 미술, 디자인, 과학을 하나로 모으는 "디자이너의 세계에 대한 감각적 작업"이다.

기간: 2025년 9월 27일 ~ 2026년 3월 2일


Catwalk!-Weil am Rhein(바일 암 라인) / 비트라 디자인 뮤지엄, 바젤

Vitra Design Museum에 따르면, 캣워크는 패션 산업의 필수적인 구성 요소이며 "마법의 순간"을 위한 무대가 될 수 있다. 다가올 전시에서는 무대 디자인, 의상, 조명, 사운드, 퍼포먼스 예술이 모두 모여 그 자체로 하나의 예술 작품이 될 것이다.

이 전시는 패션쇼의 진화를 연구하고 1900년경 최초의 '살롱'부터 오늘날의 화려한 이벤트에 이르기까지의 백스테이지를 살펴본다. 관람객들은 비디오와 사진, 다양한 의상, 초대장, 무대 장식을 접할 수 있다.

기간: 2025년 10월 25일 ~ 2026년 2월 15일

 

출처 : fashionunited.com

2024 패션 광고 캠페인 top 10

Ad Campaiign

 

이제 다사다난했던 2024년도 얼마남지 않은 지금, 올 한해를 되돌아보며 가장 인상 깊었던 패션 광고 탑10을 선정해 보았습니다. 2024년 패션계는 급격히 변화하는 사회적, 정치적 상황과 맞서 기술의 선명함, 그리고 아날로그의 아련함을 통해 두 가지 요구 사항과 침체된 고급 의류 시장에 대한 수요 사이에서 계속 씨름했습니다.

그럼에도 명품 브랜드들은 그들의 아카이브 속에서 실용적인 디자인을 발굴, 활용했습니다. 극적인 배경, 크로스채널 연결 또는 직접적인 모델 촬영은 브랜드의 스타일과 배경 및 스토리텔링을 혼합하여 강력한 메시지를 전달, 소비자가 점점 더 스마트 해지는 지금 시기에 그들이 깊이 공감 할 수 있는 강력한 작용을 했다고 생각됩니다.

DOOR CREATIVE팀이 선정한 2024년 최고의 캠페인들은 다음과 같습니다. (알파벳순)

 

BALENCIAGA / summer 2024

Staff

Balenciaga Creative Director | Demna Gvasalia
Photographer | Jitka Hanzlová
Models | Ella Gvasalia, BFRND, Linda Loppa, Eliza Douglas, Renata Litvinova, Krish Ghai, Tommy Blue, Noureddine Boudaakat, Simone Embrack, Bibi Hoad, Jay Pak, and Khadim Sock


Casablanca / fall 2024

Staff

Casablanca Creative Director | Charaf Tajer
Director of Photography | Nathaniel Aron
Models | Adam Castellano, Mamuor Majeng, Georgia Palmer, Mary Ukech, Alex Consani, Rolf Schrader, and Tida Rosvall
Stylist | Helena Tejedor
Hair | Karim Belghiran
Makeup | Stephanie Kunz


Chloé / fall 2024

Staff

Chloé Creative Director | Chemena Kamali
Photographer | Sam Rock
Videographer | Frank Lebon
Models | Jessica Miller, Liya Kebede, Suvi Koponen, Shuqi Lan, Kristine Lindseth, Saphira Krumhaar, and Ornella Umutoni
Stylist | Lotta Volkova


Courrèges / spring 2024

Staff

Courrèges Creative Director | Nicolas Di Felice
Photographer | David Sims
Models | Loli Bahia, Anok Yai, Xu Wei, Lulu Tenney, Julia Nobis, and Axel Gay
Stylist | Marie Chaix
Hair | Duffy
Makeup | Lucia Pieroni


JACQUMUS / spring 2024

Staff

Jacquemus Creative Director | Simon Porte Jacquemus
Photographer | Théo de Gueltzl
Models | Imaan Hammam
Stylist | Katie Burnett
Hair | Ramona Eschbach


LOEWE / pre-fall 2024

Staff

Loewe Creative Director | Jonathan Anderson
Creative Director | Dovile Drizyte
Photographer | Juergen Teller
Models | Alison Oliver, Archie Madekwe, Dan Levy, Enzo Vogrincic, Kit Connor, Lesley Manville, Sophie Wilde, 070 Shake, and Alfie Anderson
Stylist | Benjamin Bruno
Hair | Kei Terada
Makeup | Daniel Sallstrom


PRADA / fall 2024

Staff

Prada Creative Directors | Miuccia Prada and Raf Simons
Creative Director | Ferdinando Verderi
Photographer | Willy Vanderperre
Models | Harris Dickinson, Damson Idris, Yili Ma, Hunter Schafer, and Letitia Wright
Stylist | Olivier Rizzo
Hair | Anthony Turner
Makeup | Lynsey Alexander


Saint Laurent / men’s winter 2024

Staff

Saint Laurent Creative Director | Anthony Vaccarello
Photographer | Glen Luchford
Models | Zeke Lindsey, Vassili Schneider, Thomas LeMaigre, Awar Odhiang, Samuel Elie, Justino Gonzalez
Hair | Duffy 
Makeup | Kanako Takase


schiaparelli / fall 2024

Staff

Schiaparelli Creative Director | Daniel Roseberry
Photographer | Johnny Dufort


Songzio / spring 2024

Songzio Creative Director | Jay Songzio
Director & Photographer | Cho Gi-Seok


패션 디지털 기술 트렌드 2025

Market

 

패션 산업의 디지털 적용이 진화함에 따라, 2025년은 이 분야의 모든 측면을 재정의할 획기적인 기술 발전의 해가 될 것으로 기대된다. 디자인에서 리테일까지 디지털 기술은 브랜드의 운영을 간소화해줄 뿐만 아니라 소비자 참여에 혁신적인 방법을 제공한다. 여기에 패션 산업의 디지털 혁신을 형성하는 주요 트렌드를 살펴보자.


AI의 시각적 콘텐츠 제작

인공 지능은 패션 브랜드가 시각적 스토리텔링에 접근하는 방식을 변화시킬 것이다. 상당한 리소스와 시간이 필요한 전통적인 사진 촬영 작업은 점점 AI가 생성한 이미지로 대체되고 있다. 고급 AI 도구는 새로운 컬렉션을 입은 매우 사실적인 모델의 이미지를 만들어 실제 사진 촬영의 필요성을 반감시켰다. 이 혁신은 제작 비용을 줄일 뿐 아니라 탁월한 유연성을 제공하여 브랜드가 변화하는 트렌드를 반영하기 위해 실시간으로 비주얼을 업데이트할 수 있도록 한다.

AI를 활용한 패션 트렌드 예측

AI 도구는 글로벌 데이터를 분석하여 놀라운 정확도로 패션 트렌드를 예측한다. 이것은 소셜 미디어에서의 대화, 런웨이 하이라이트, 소비자 구매 행동을 추적함으로써 브랜드가 이러한 경향을 앞서 나갈 수 있도록 돕는다. 또한 소비자 선호도에 맞는 컬렉션을 디자인하고 창의성과 상업적 성공 모두를 만족시키는데 매우 유용할 것이다.

투명성을 위한 블록체인

윤리적 관행과 투명성은 그 어느 때보다 더 중요하다. 블록체인 기술은 공급망 전반에 책임을 보장하는 도구로서 지속적으로 주목 받을 것이다. 블록체인을 활용한 브랜드는 소비자에게 의류 유통 및 생산에 대한 자세한 정보를 제공할 수 있다. 이 기술은 특히 환경을 의식하는 소비자 사이에서 신뢰와 충성도를 구축할 것으로 보인다.

AI 인플루언서의 활약

AI로 구동되는 디지털 인플루언서가 2025년에 다시 주목 받을 것으로 보인다. 현신감있는 생생한 외모와 매력적인 페르소나로 디자인된 이러한 가상 인격들은 브랜드에 스토리텔링과 소비자 참여를 위한 새로운 기회를 제공할 것이다. 인간 인플루언서와 달리 AI 인플루언서는 브랜드의 정체성을 완벽하게 구현하도록 맞춤화할 수 있어 타겟 마케팅 캠페인에 귀중한 자산이 될 수 있다.

AI 기반 예측 : 판매 및 재고 관리 혁신

인공 지능은 판매 예측 및 재고 관리에 혁명을 일으킬 것으로 보인다. 방대한 양의 데이터를 분석함으로써 AI는 소비자 수요에 대한 정확한 예측을 제공하여 브랜드가 재고 수준을 최적화하고 과잉 생산을 피할 수 있도록 한다. 브랜드는 더 정확한 매장 내 상품 할당의 혜택을 누리며 인기 있는 품목들을 지속적 공급하면서도 과도한 재고를 최소화할 수 있다. 이 데이터 중심 접근 방식은 수익성과 지속 가능성을 향상시키는 데 중요할 것이다.

공급망 혁신: 운영 소프트웨어 중심

효율적인 공급망 관리는 패션 산업에서 항상 중요했었다. 그리고 2025년에는 그들이 사용하는 소프트웨어가 훨씬 더 중요한 역할을 하게 될 것이다. 이러한 고급 도구를 사용하면 제조업체, 공급업체, 리테일러 간의 원활한 커뮤니케이션이 가능해져 지연이 줄어들고 투명성이 향상된다. 이러한 플랫폼은 실시간 데이터 공유를 통합하여 이해 관계자가 시장 수요에 신속하게 적응할 수 있도록 한다. 또한 이러한 도구를 채택하는 회사는 재고를 최적화하고 낭비를 줄임으로써 상당한 비용을 절감하고 환경에 미치는 악영향을 개선할 것으로 기대된다.

숏폼 비디오 콘텐츠의 증가

Instagram 및 TikTok과 같은 소셜 미디어 플랫폼은 계속해서 디지털 마케팅 전략을 지배하고 있다. 2025년에는 숏폼 홍보 비디오가 소비자들을 사로잡는 데 없어서는 안 될 중요한 요소가 될 것이다. 향후 패션 브랜드는 보다 젊고 디지털에 익숙한 소비자에게 공감을 얻는 콘텐츠를 만드는 데 많은 투자를 할 것으로 예상된다. 바이럴을 위해 디자인된 이러한 영상들은 컬렉션의 핵심 상품을 강조하고, 비하인드 스토리를 선보이며, 고객들의 참여를 유도하기 위한 작업들과 그 맥락을 같이하고 있다.

메타버스: 절제된 존재감

메타버스는 최근 몇 년 동안 꽤 유행이였지만, 2025년까지는 패션 산업에서 인기를 얻지 못할 것으로 예상된다. 그러나 브랜드는 특히 틈새 마케팅과 한정판 이벤트를 위해 가상 현실을 지속적으로 실험할 것으로 보인다. 메타가 레이밴과 협업한 증강 현실 안경은 웨어러블 기술이 디지털과 물리적 세계를 연결하는 다리 역할을 하여 소비자에게 패션과 디지털이 상호 작용하는 새로운 방법을 제시할 수 있는 한 예이다.

모바일 전자상거래의 성장

모바일 전자상거래는 2025년에 더욱 확대될 것으로 예상되는데, 이는 소비자들이 스마트폰을 사용한 쇼핑에 점점 더 의존하게 되기 때문이다. 전반적인 전자상거래 성장은 완만하겠지만 모바일 플랫폼이 그 시장을 주도할 것이며, 브랜드는 원활한 모바일 경험을 위해 웹사이트와 앱을 최적화해야 한다는 것을 강조한다. 개인 맞춤화 추천, 원클릭 구매, 가상 체험과 같은 기능은 브랜드가 혼잡한 디지털 시장에서 소비자의 관심을 끌기 위해 경쟁함에 따라 업계 표준으로 자리잡을 것이다.

 

출처 : fashionunited.com

2025년 럭셔리 시장 전망

Market

 

2025년이 다가오면서 럭셔리 시장은 그 궤적이 바뀔 수 있는 상당한 도전에 직면해 있다. 경제적, 정치적, 소비자 중심적 요인이 혼합되어 시장의 수요, 혁신, 성장에 영향을 미칠 가능성이 그 어느때보다도 높아졌다.


시장의 불확실성

글로벌 럭셔리 산업은 주요 지역의 불균형한 성장과 소비자 지출 습관의 변화로 인해 경제적 예측이 상당히 어려운 기간을 헤쳐 나가고 있다. 미국의 잠재적 관세 정책과 같이 정치적 영향은 이러한 불확실성을 가중시킨다. 예를 들어, 유럽 상품에 대한 관세 인상은 주요 럭셔리 업체의 수익 흐름을 방해할 수 있으며, 이러한 역풍으로 인해 브랜드는 주요 시장에서 수익성을 유지하기 위해 가격 책정 및 공급망 전략을 재편하게 될 수 있다.

이러한 불확실성의 영향은 특히 신흥 시장에서 두드러지는데, 통화 변동성과 변화하는 규제 환경이 추가적인 과제를 안겨준다. 럭셔리 브랜드는 보다 정교한 전략을 구현하고 제조 기반을 다각화함으로써 대응하고 있다. 여기에는 공급망 위험을 완화하고 단일 시장 취약성을 줄이기 위해 전략적 위치에 생산 시설을 설립하는 것이 포함된다. Hermès와 Chanel과 같은 회사가 이러한 추세를 선도하고 있으며, 여러 지역에 걸친 수공예 장인 워크숍에 상당한 투자를 하고 있다.


중고 명품 시장 활기

지속 가능성과 저렴함이 중고 명품 시장의 붐을 주도하고 있다. 소비자, 특히 젊은 소비자는 럭셔리 소비를 환경 의식적 가치와 일치시키기 위해 재판매 플랫폼으로 눈을 돌리고 있다. 이러한 추세는 중고 명품이 보다 주류가 되면서 전통적인 독점 개념에 도전하고 있다. 브랜드는 이 영역을 통합하여 환매 프로그램을 제공하거나 리세일 마켓플레이스와 협력하여 진화하는 고객 선호도를 받아들이기 시작했다.

리세일 시장의 성숙으로 정교한 인증 기술과 서비스 제공이 이루어졌다. 블록체인 기반의 진위 인증서와 AI 기반 상태 평가 도구가 업계 표준이 되고 있다. 주요 럭셔리 그룹도 고가 품목에 대한 분할 소유권 및 구독 서비스를 포함한 혁신적인 소유권 모델을 모색하고 있으며, 기존 소유권 패러다임이 차세대 럭셔리 소비자와 일치하지 않을 수 있음을 인식하고 있다.


정치적 영향

정치적 요인이 럭셔리 시장의 변동에 점점 더 큰 역할을 하고 있다. 유럽 상품에 대한 관세 제지와 같은 무역 정책은 브랜드가 비용을 흡수하거나 가격을 인상해야만 하는 어려운 선택을 강요할 수 있다. 또한 중국과 같은 주요 시장에서 진행 중인 규제 변화와 지정학적 긴장은 글로벌 기업들이 시장 점유율을 유지하기 위해 전략적 민첩성이 중요해지는 환경을 조성하고 있다.

업계는 공급망과 제조 관행, 특히 노동 조건과 환경 영향에 대한 감시가 강화되는 것을 목격했다. 이로 인해 럭셔리 브랜드는 투명성 이니셔티브와 지속 가능한 생산 방법에 많은 투자를 하게 되었으며, 일부 브랜드는 정부 기관과 협력하여 윤리적 럭셔리 생산에 대한 업계 전체 표준을 개발하고 있다. 이로인해 지속 가능성 목표에 대한 정치적 일치가 기존 브랜드 포지셔닝만큼 중요해지고 있음을 인식하고 있다.


소비자 행동 변화

현대의 럭셔리 소비자는 업계를 재정의하고 있다. 지속 가능성, 개인화, 디지털화는 구매 결정의 중요한 원동력이 되고 있다. 소비자는 독특한 경험을 추구하고, 개인적 가치를 반영하는 브랜드로 이동하고 있으며 이에 발맞추기 위해 기업은 AI와 같은 첨단 기술에 투자하고 메타버스를 포함한 디지털 플랫폼을 활용한 맞춤형 몰입형 경험을 만들고 있다.

소셜 커머스와 인플루언스 마케팅의 부상은 럭셔리 브랜드가 고객과 소통하는 방식을 근본적으로 바꾸었다. 가상 시착, 증강 현실 쇼핑 경험, AI 기반 개인 스타일링 서비스가 표준 상품이 되고 있다. 럭셔리 하우스는 또한 Web3 기술을 도입하여 독점적인 디지털 커뮤니티와 보상 프로그램을 만들고 있으며, 럭셔리의 미래는 아날로그적인 장인 정신과 디지털 혁신의 교차점에 있다는 것을 인식하고 있다.


전반적인 수요 감소

경제적 어려움과 소비자 우선순위의 변화가 중심이 되면서 럭셔리 상품에 대한 글로벌 수요가 줄어들고 있다. 분석가들은 시장 전반의 성장이 단기적으로 제한될 수 있으며, 많은 회사가 수익을 유지하기 위해 비즈니스 모델을 조정해야 한다고 경고한다. 이러한 역풍 속에서 성장을 지속하려면 다각화, 디지털 혁신, 신흥 시장에 대한 전략적 투자가 필수적일 것이다.

이러한 침체는 제품만이 아닌 경험과 서비스를 통한 가치 창출의 전략적 전환을 촉진하고 있다. 럭셔리 브랜드는 호스피탈리티 서비스를 확대하고, 멤버 전용 공간을 만들고, 포괄적인 라이프스타일 생태계를 개발하고 있다. 이러한 변화는 미래 성장이 소비자 기반을 확대하는 것보다 기존 고객과의 관계를 강화하는데 달려 있다는 보다 광범위한 이해를 반영하며, 이는 보다 정교한 고객 유지 전략과 개인화된 서비스로 이어진다.


*요약

  • 경제적 불확실성, 정치적 요인(관세 등), 변화하는 소비자 선호도 등이 럭셔리 시장을 재편하고 있다.

  • 지속 가능성과 저렴한 가격으로 인해 중고 명품 시장이 성장하면서 기존 모델에 도전하고 브랜드 적응이 촉진되었다.

  • 럭셔리 브랜드는 수요 감소에 대응하고, 소비자와의 관계를 유지하기 위해 디지털 혁신, 개인화된 경험, 지속 가능한 관행을 우선시해야 한다.

 

욕망의 소리 : 음악과 브랜드 공간의 상관관계

market

 

매장 음악은 그날 담당 직원의 단순한 변덕이 아니다. 오프라인 매장 및 호스피탈리티 브랜드를 위한 플레이리스트를 전문으로 하는 글로벌 음악 브랜딩 기관인 ‘Gray V’의 전문가들이 신중하게 선택한 것이다. 또한 그것들은 세 가지 주요 목표를 염두에 두고 선택되는데, 첫째, 고객들이 매장에 머무는 동안 호사스러운 느낌을 받도록 하는 것, 둘째, 브랜드의 정체성과 일치하고 고객과 감정적으로 공감할 수 있는 환경을 만들어주는 것, (거기서 마주치는 질감과 냄새는 조화를 이루어야 한다). 마지막으로, 다가올 컬렉션을 기반으로 계절적 영감을 제공하는 것이다. 

우리 모두 효과적인 음악 플레이리스트의 유혹을 경험했다. 매장, 호텔 및 헬스장은 우리가 문을 열고 들어서는 순간부터 제품, 서비스 및 공간과 상호 작용하는 음악을 통해 적극적으로 우리에게 영향을 미친다. 하지만 우리의 기분에 영향을 미치는 것은 재생되는 음악뿐만 아니라 그 음악이 전달되는 방식도 한몫한다. 예를 들어, 볼륨을 높이면 고객 교체 속도가 빨라질 수 있는 반면, 조용하고 느린 템포의 음악은 제품에 더 신중하게 접근하도록 영감을 줄 수 있다.


Gray V의 수석 음악 감독인 Alec DeRuggiero에 따르면, 신선함과 흥미를 유발하는 것은 특히 젊은 청중에게 중요하다. 그는 "그들이 몰랐던 것에 관심을 갖게 하는 것, 그리고 TikTok에서 발견할것 같은 트렌디하고 친숙한 노래 한두 곡을 제공하는 것이 중요합니다."라고 말한다. 하지만 마찬가지로, 아무도 올드하고 시대에 뒤떨어진 느낌을 받고 싶어하지 않기 때문에 클래식을 새로운 사운드로 믹스함으로써 브랜드는 모든 연령대에 매끄럽게 어필할 수 있다. 또한 Gray V 팀 작업의 핵심은 관객의 귀에 달려 있다. 예를 들어, 젊은 고객은 James Perse 매장에 가서 Crosby, Stills Nash를 인지할 수 있다. 그 음악들이 그들이 사랑하는 Fleet Foxes나 Ray LaMontagne과 비슷한 사운드를 가지고 있기 때문이다.

자신의 이름을 딴 남성복 브랜드의 창립자이자 CEO인 Todd Snyder에게 음악은 최신 패션 컬렉션의 스토리를 전달하는 데 중요한 역할을 한다. "새로운 컬렉션을 디자인할 때 저는 종종 우리 브랜드의 그 남자가 어디로 가고, 무엇을 운전하고, 무엇을 듣고 있는지 상상합니다." 라고 그가 말했다. "이번 시즌에는 그가 Joy Division의 ‘Unknown Pleasures’에 맞춰 있는 모습을 상상했습니다." 이에 대응하여 매장에서는 경쾌하면서도 절제된 곡을 엄선, 재생하여 탐험의 에너지와 감각을 조성하고, 느리고 소울풀한 곡과 균형을 이루어 고객들이 제품 선반 주변에 머물도록 유도한다.

크리스마스와 연말 기간 동안 매장에 고객들이 늘어나는 것만 보아도 브랜드 공간 분위기 설정이 중요하다는 것을 알 수 있다. NYC의 Times Square Edition 호텔은 이러한 현상이 실제로 적용되는 좋은 예이다. Gray V의 수석 음악 감독인 Joe Lynskey는 "입구의 재생 목록은 의도적으로 공간의 전환을 알리는 신호로 손님이 타임스 스퀘어의 혼란에서 벗어나도록 합니다."라고 말했다. 또한 "복도를 따라 엘리베이터로 이동하면 음악이 고요하고 차분한 분위기를 조성합니다. 경험은 메인 로비, 리셉션, 다이닝 구역으로 올라가면서 바뀌는데, 플레이리스트가 더욱 생동감 넘치고 활기차져서 이러한 공간의 생동감을 반영하고 향상시킵니다."라고 덧붙였다.


그렇다면 매우 특정한 타겟을 염두에 두거나 특정한 느낌을 불러일으키고자 하는 브랜드를 위해 음악을 큐레이팅하는 데 무엇이 필요할까?

Gray V의 Alec DeRuggiero는 "그 과정에는 확실히 마법이 개입되어 있지만, 우리는 많은 질문을 하고, 고객의 의견을 최대한 경청하고, 줄 사이를 읽을 줄 아는 방식으로 작업을 수행합니다."라고 말한다.

또 다른 중요한 고려 사항은 가사이다. 특히 브랜드에 적합한 것과 그렇지 않은 것은 무엇인가 이다. 예를 들어 Tiffany Co.와 같은 회사의 경우 이는 매우 중요하다. 이 경우 "이별이나 상심을 언급하는 가사를 사용하지 않도록 해야 합니다."라고 브랜드 담당자는 말한다.

창작 과정에서는 물리적 환경도 고려된다. Tiffany가 최근 리노베이션한 57번가와 5번가의 랜드마크는 벽에서 반대벽까지 디지털 디스플레이가 있는 몰입형 매장이다. 매장이 낮에서 밤으로 바뀌면 음악도 바뀌게 된다. 그리고 매장의 참여형 플로어를 위해 큐레이션된 음악은 사람들이 조금 더 오래 머물 수 있도록 느리거나 중간 템포로 구성되어 있다.


장소의 구조와 정체성을 음악을 연관시키는 것은 레스토랑에서도 똑같이 중요하다. 런던 메이페어에 있는 ‘The Dover’ 레스토랑은 서비스에 대한 접근 방식에서 음악을 중심에 둔다. 창립자인 ‘Martin Kuczmarski’는 자신의 개인 레코드판들을 기반으로 직접 플레이리스트를 만든다. 이 레스토랑은 각 시간대의 분위기를 위해 전담 레코드 셀렉션을 갖추고 있다. 오후 6시~8시, 오후 8시~10시, 오후 10시부터 가장 늦은 시간까지, 클래식 소울, 펑크, 디스코를 여행하는 듯한 느낌을 선사한다. 특히 Gap Band, Leo Sayer, George Benson, the Temptations, Roy Ayers, Donna Summer, Mary Jane Girls, Soul II Soul을 선호한다. Kuczmarski는 특히 음악의 볼륨에 신경을 썼는데, 손님이 잠자리에 들기 전 술 한 잔을 마시고 대화를 나누면서도 비트에 맞춰 어깨를 움직일 수 있도록 신중하게 설정했다.

그는 우리의 음악 스타일은 항상 동일하며, 이는 레스토랑의 특성을 잘 나타낸다고 말한다. "우리는 사람들이 이 음악들을 듣고 '아, 이게 도버의 음악이구나'라고 말하기를 바랍니다. 마치 유명한 영화의 사운드트랙 처럼 말입니다."

 

출처 : fashionnetwork.com

TOP 10 공공 예술 2024_part II

Art

 

작가 Felipe Pantone의  광대한 ‘OPTICHROMIE’ 벽화는 저지 시티 스카이라인에 대담하고 기하학적인 패턴을 수놓았고, Nassia Inglessis의 ‘Liquid Solid’는 기자 고원을 배경으로 변형과 무상함의 주제를 보여준다. 이 선택들은 기념비적인 벽화에서 일시적 설치물에 이르기까지 다양한 접근 방식을 선보이며, 각각은 예술과 환경 간의 더 깊은 대화에 기여한다. 크리에이티브의 해를 형성한 2024년 탑 10 공공 예술 프로젝트의 후반부는 다음과 같다 . 


6. Felipe Pantone의 'OPTICHROMIE for jersey city'

Felipe Pantone’s new artwork is located on the corner of Summit and Magnolia Avenue in Jersey City

작가 Felipe Pantone의 저지 시티를 위한 기념비적인 공공 미술 작품 ‘OPTICHROMIE’는 아르헨티나-스페인 예술가인 그가 오하이오에서 마지막 벽화를 그린 지 거의 1년 만에 미국으로 돌아온 것을 기념하는 작품이다. Summit과 Magnolia Avenue에 있는 Urby의 주거용 건물 25개 층에 걸쳐 있는 이 작품은, 지금까지 Pantone의 작업중 가장 큰 벽화로 1,400제곱미터(4,600제곱피트) 사이즈이다. 그의 특징적인 기하학적 패턴, 그라데이션, 대담한 색상으로 디지털화된 디자인은 뉴욕 스카이라인의 차분한 톤과 대조를 이루며 그만의 예술과 기술의 융합을 보여준다.

이 작품의 제작에는 Pantone과 5명의 협업팀의 세심한 계획과 25일간의 노력이 필요했다. 9m 스윙 스테이지를 사용하여 그라데이션을 위한 롤러와 에어리스 스프레이어를 사용, 하나씩 복잡한 디자인을 칠하며 완성해 나갔다. 70 x 20m 벽화를 생생하게 표현하기 위해 170갤런이 넘는 페인트가 사용되었고, 이 과정에서 추운 날씨, 비, 그리고 두 번의 지진을 견뎌냈다. 그 결과, 생생한 톱니 모양의 선, 단색 TV의 정지된 화면 형태, 흐릿한 그라데이션 픽셀등이 역동적으로 상호 작용, 저지시티의 스카이라인을 바꾸어 놓았다.

 

images courtesy of Felipe Pantone

images courtesy of Felipe Pantone


 

7. JR의 새로운 기념비적 설치물 'LA NASCITA' 밀라노 중앙역 앞 등장

JR in his monumental rock installation, La Nascita

프랑스 예술가 JR이 밀라노 디자인 위크 2024를 위해 밀라노 중앙역 외부에 설치물 ‘La Nascita’를 처음 선보이며, 아나모픽 아트와 건축적 오마주를 결합했다. 이 작품은 JR이 조각적 아나모픽에 처음 도전한 작품으로, 외부에 배치된 알루미늄 슬랫에 암석 지형의 인쇄 이미지를 씌웠다. 밀라노역과 알프스의 역사적 연결과 심플론 터널의 발굴에서 영감 받은 이 설치물을 역 일대의 장소를 겹겹이 쌓인 바위 풍경으로 바꿔놓았다. 방문객은 우뚝 솟은 정면과 작은 지상 구조물이라는 두 가지 요소를 탐험하며 환상적인 '산'과 동굴 같은 길을 경험할 수 있었다. 

 

 

8. Andrés Reisinger의 고대 거리에 펄럭이는 공공 예술

image © Mohammed Ali, banner image courtesy Andrés Reisinger

아티스트 Andrés Reisinger는 자신의 Take Over 시리즈를 사우디아라비아 제다의 고대 거리에 ‘Take Over Jeddah’라는 제목의 공공 예술 설치물로 세웠다. Balad Al-Fann의 Matters through Matter 전시회에 소개된 이 작품은 물리적 영역과 디지털 영역을 초월하여 그의 상징적인 펄럭이는 분홍색 미학을 반영한다. 유네스코에 등재된 제다의 구시가지 한가운데에 위치한 이 설치물은 전시회의 Past Forward 테마와 일치한다.

7m 높이의 ‘Take Over Jeddah’는 물리적으로 변치 않는 역사적 구조물을 감싸는 듯 보이며, 그 장소의 문화적 중요성을 상징적으로 강조하는 듯 보인다. 이러한 의도적인 디자인은 방치된 건축 유산의 가치와 현대 작가의 역할에 대한 성찰을 불러일으킨다. 

artist Andrés Reisinger brings his viral Take Over series to Jeddah’s Old Town | image © Mohammed Ali

 

the 17-meter work stands tall and pink amongst the stone streets | image © Karina Perez Spritze, Rhose Studio 

the immense, billowing fabric interacts with stone without touching it | image © Karina Perez Spritze, Rhose Studio 


 

9. BEHIN HA의 항저우 오렌지색 패브릭 리본 임시 설치물

426 coated mesh fabric ribbons suspended between the building’s roofline and the ground

Behin Ha는 426개의 생생한 오렌지색 메시 패브릭 리본을 사용해 만든 눈에 확 띄는 공공 예술 설치물 ‘Circle and Square’를 선보였으며, 이 설치물은 현재 중국 항저우의 새로운 복합 용도 개발 단지에 전시되었다. 오하이오의  ‘Coshocton Ray Trace’ 와 덴마크의 ‘Together Apart’와 같은 Behin Ha의 이전 작품에서 영감을 얻은 이 디자인은 지붕선과 땅 사이에 늘어진 리본을 원형 배열로 고정하여 두 개의 뚜렷한 야외 공간을 형성한다. 또한 투명성, 밀도, 움직임의 상호 작용은 방문객이 설치물에 참여하고 리본 내부의 역동적인 공간을 탐험하도록 유도한다.

현지에서 조달한 자재와 효율적인 설치 방법은 지속 가능성과 문화적 맥락에 대한 프로젝트의 의미를 강조한다. 선형 상단 앵커와 곡선형 지면 패턴은 시각적으로 복잡한 구조를 만들어 상호 작용하여 이곳의 방문객은 이곳에서 휴식을 취하거나, 감상하거나, 중심으로 모여들도록 하여 항저우의 진화하는 문화적 풍경에 추가 요소로 자리잡는다.

the installation’s bright orange color catches passers-by’s look

the ribbons are anchored to the ground in circular arrays, creating two distinct outdoor spaces

 

 

10. NASSIA INGLESSIS의 피라미드 조각품

all images courtesy of Forever Is Now

Forever Is Now 04 전시의 일환으로 Studio INI의 Nassia Inglessis가 상징적인 기자 고원에 ‘Liquid Solid’를 공개하여 모래를 '액체 물질' 형태로 변형한다. Inglessis는 반투명 설치물이 인간, 기술, 자연의 균형에 뿌리를 둔 미래의 기념물을 어떻게 구상했는지 설명했는데, 물리적 상호 작용으로 활성화되는 이 조각품은 Inglessis이 그리스와 이집트의 고대 건축의 유산을 활용하여 토착 모래와 NASA에서 영감을 받은 알루미늄 벌집과 같은 고급 소재를 결합, 무상함과 적응성이라는 주제를 보여주고자 했다.

Inglessis는 자신의 접근 방식을 돌아보며, “제 작품은 완성되거나 결정화된 형태를 정의하거나 규정하지 않습니다. 인간이 작품과 상호 작용할 때만 완성됩니다.” 라고 말했다. 그녀의 관점은 큐레이터 Nadine Abdel Ghaffar의 예술을 과거와 현재를 연결하는 도구로 보는 비전과 일치한다. 또한 Liquid Solid는 이것을 통해 방문객이 자연, 역사 및 미래를 그들간의 역할과 연결에 대해 성찰하도록 한다.

 

the sculpture becomes activated only by physical interaction


출처 : designboom.com

miami, 조선소 재활용 강철로 만든 최초의 플로팅 패델 코트

Event

 

마이애미 하버에 독특한 시설이 들어섰다 . 이것은 ‘Yntegra Group’에서 개발한 이동식 플로팅 패들 코트이다. Fisher Island 근처에 위치한 이 코트는 테니스 애호가들이 물에 둘러싸여 플레이할 수 있는 공간을 제공하며, 스포츠와 야외 환경을 색다른 방식으로 결합한다. 또한 오래된 조선소 자재에서 재활용된 강철을 사용하여 만들어져 무엇보다 지속 가능성에 초점을 맞추었으며, 엔진이나 배터리 없이 작동하여 Yntegra의 환경 원칙에 부합한다. 

미래의 카리브해 럭셔리를 위한 홍보

16.4 x 38.4 x 71.5피트 크기, 무게만 84톤인 이 플로팅 코트는 2025년 5월까지 마이애미에 머물다 ‘Exumas’로 영구 이전될 예정이다. Exumas에서는 두 개의 개인 섬에 걸친 Yntegra의 대규모 개발 프로젝트 내 편의 시설로 사용될 예정이다. 마이애미에 본사를 둔 투자 회사 Yntegra Group의 이 프로젝트에는 2028년에 오픈 예정인 Rosewood 호텔과 브랜드 레지던스, 슈퍼요트 마리나가 포함되어 카리브해 고급 휴양지를 만드는 것을 목표로 한다.

the court is constructed using recycled steel from old shipyard materials

the structure measures 16.4 x 38.4 x 71.5 feet

the floating court will be in Miami until May 2025 before being moved permanently to The Exumas

 

출처 : designboom.com

Moncler와 Palm Angels, 협업 컬렉션 출시

Market

 

몽클레어가 팜 엔젤스의 레트로 카 레이싱 정신을 담은 새로운 협업 컬렉션을 출시했다. 이 콜라보레이션은 올해 10월 상하이에서 열린 "The City of Genius" 행사에서 처음 선보였으며, 포뮬러 1 레이싱의 빈티지한 매력과 야자수가 늘어선 경주로가 인상적인 프레젠테이션이였다.

팜 엔젤스의 Francesco Ragazzi가 구상한 이 컬렉션은 이탈리아 레이싱에서 영감 받아 미국 대학의 요소를 결합했으며, 몽클레어 아웃도어 웨어의 기술력을 모두 통합했다. 빈티지 그래픽 로고, 체크 무늬 모티프, 한정판 자수 패치를 포함한 역동적인 의류들을 선보였으며, 특히 몽클레어의 로고를 야자수로 믹스한 것이 특징이다.

팜 엔젤스와 몽클레어의 파트너십은 몽클레르 지니어스 프로젝트가 시작된 이래로 이어져 왔으며, 팜 엔젤스의 아메리칸 빈티지 스포츠에 대한 애정과 몽클레르의 고성능 웨어에 대한 히스토리를 엮어내는 긴밀한 관계를 보여준다.

몽클레르 x 팜 엔젤스 컬렉션은 현재 일부 몽클레르 및 팜 엔젤스 부티크와 두 브랜드의 웹사이트에서 구매 가능하다.

 

출처 : 더임프레션닷컴

Gap, Zac Posen의 GapStudio 공개

Market

 

이번 시즌, Gap에서 출시를 발표한 GapStudio는 Gap 브랜드의 수석 부사장 겸 크리에이티브 디렉터 Zac Posen과 뉴욕에 있는 그의 디자인 팀이 이끄는 새로운 고급 패션 라인이다. 옷장 필수품에 대한 격상된 견해를 보이는 이 라인은 2024 홀리데이 컬렉션으로 데뷔, 2025년 봄에 Gap의 리테일 및 온라인 채널로 확장될 예정이다.

GapStudio의 첫 번째 릴리즈는 낮과 밤 모두 입을 수 있도록 디자인된 홀리데이 컬렉션으로, 현재 Gap 웹사이트에서 구매할 수 있다. Lindsey Wixon이 모델로 참여하여 브랜드의 가장 중요한 영감인 스타일을 보여준다.

 

출처 : 더임프레션 닷컴

TOP 10 공공 예술 2024_part I

Art

 

2024년 공공 예술 프로젝트 리뷰_파트1

2024년에는 창의적인 소재의 사용 및 주변 환경과의 심도있는 통합, 그리고 관객 참여 방식이  돋보이는 다양한 공공 예술 프로젝트가 탄생했었다.

브리스톨의 Alex Chinneck의  장난기 어린 조각품 부터 밀라노의 JR이 바위에서 영감 받은 설치물 까지, 이러한 작품들은 전 세계의 공유 공간에서 놀라움과 성찰의 순간을 제공했다.주요 작품으로는  뉴욕의 하이라인을 내려다보며 우뚝 솟은 알루미늄 비둘기 조형물인 Iván Argote의 ‘Dinosaur’와 기술과 자연적 요소를 결합하여 독일의 엔츠 강 위 흩어지는 무지개를 만든 Veronika Sedlmair와 Brynjar Sigurðarson의 ‘Rainbow Fountain’이 있다.

 

 

1. ALEX CHINNECK의 가로등과 전화부스 매듭

street lamps tied like a ribbon as one of Alex Chinneck’s recent sculptures at Assembly Bristol

영국의 조각가 Alex Chinneck은 세 개의 초현실적 조각품으로 Assembly Bristol에 장난기 어린 터치를 주었으며, 치즈 레인에 있는 그의 이전 매듭 우편함 알파벳티 스파게티를 잇는다. 이 금속 창작품에는 두 개의 가로등이 있다. 하나는 리본처럼 묶여 머리를 아래로 숙이고 있고, 다른 하나는 부드러운 포옹처럼 얽혀 있어있으며 ‘First Kiss at Last Light’라는 이름이 붙어있다. 두 작품 모두 4m 높이로 솟아 밤에 거리를 밝힌다. 세 번째 작품인 ‘Wring Ring’은 기울어진 유리창이 있는 뒤틀린 영국 전화 부스로, Assembly Bristol의 빌딩 외부에 설치되었다.이 조각품들은 함께 도시의 자갈길과 올포드 홀 모나한 모리스의 현대 건축물들과 어우러진다. Alex Chinnec의 작품은 일상적 물건을 그의 시그니처인 조작으로 변형, 강조하지만, 거리에 기능적 요소와 기발함을 더한 놀라움을 전해준다.

 

First Kiss at last night, Alex Chinneck

Wring ring, Alex Chinneck


 

2. IVÁN ARGOTE의 뉴욕 하이라인 위 초대형 알루미늄 비둘기

Iván Argote’s aluminum pigeon ‘Dinosaur’ is the fourth commission of the High Line

작가 Iván Argote의 ‘Dinosaur’은 16피트 크기의  알루미늄 비둘기로, 2024년 10월부터 2026년 봄까지 뉴욕시의 하이라인 Plinth 위에 앉아 있을것이다. 이 매우 사실적인 조각품은 평범한 비둘기를 기념비적인 존재로 재구성하여 자동차와 보행자 위에 우뚝 솟아 역전된 관계로 우리를 내려다 본다. 콜롬비아 출신의 이 예술가의 작품은 Dinosaur의 진화적 관계와 전쟁 중 메신저로서의 중요한 역할에 이르기까지 새의 역사적 중요성을 기념하고, 이민자가 많은 도시의 풍경을 통해 이주와 회복력이라는 주제를 설파한다. Dinosaur는 Plinth 프로그램의 네 번째 의뢰작이자 Argote의 첫 번째 미국 설치물로, 도시 아래의 번잡한 거리를 눈 깜짝할 새 없이 바라보는 유머와 사회적 논평이 담겨있다.

visitors can find the pigeon Dinosaur by Iván Argote over the intersection of 10th Avenue and 30th Streets

 

 

3. TADASHI KAWAMATA의 파리의 나무 의자 눈사태

images © Dover Street Market

작가 Tadashi Kawamata의 ‘Avalanche’는 파리 도버 스트리트 마켓의 특정 설치 작품으로, 매장의 안뜰을 움직임과 힘의 광경으로 바꿔놓았다. Phileo Paris와 아디다스가 협업하여 선보인 이 설치 작품은 창문에서 쏟아지는 수백 개의 나무 의자를 특징으로 하며, 거대한 파도가 건축 공간에 부딪히는 듯한 환상을 만들어낸다. 재활용 목재를 소재이자 은유로 반복적 사용하는 Kawamata는 움직임, 변화, 압도적인 힘이라는 주제를 보여준다. 이 설치 작품은 역사적 건물들과 혼재되어 혼란스러운 에너지를 증폭시킨다. PHILÉO, 아디다스, 메누르 갤러리의 지원을 받아 필레오 란도프스키와 함께 디자인한 한정판 스니커즈를 위한 프로젝트이도 하다. 

 

wood, especially in the form of chairs, is a recurring motif in Kawamata’s work

Avalanche integrates with the courtyard as chairs flow around large grey cylinders


 

4. VERONIKA SEDLMAIR & BRYNJAR SIGURÐARSON의 레인보우 분수

perched on the banks of the River Enz

인터뷰에서 Veronika Sedlmair와 Brynjar Sigurðarson은 Ornamenta 2024에서 공개된 매혹적인 공공 예술 작품인 ‘Haug Rainbow Fountain’에 대해 논의했다. 독일 포르츠하임의 엔츠 강을 따라 설치된 이 청동 조각상은 아이슬란드 엘프와 물의 정령이 섞인 신비한 생물을 묘사하고 있으며, 이 생물은 간헐적으로 안개를 내뿜어 햇빛을 받은 만화경 같은 아련한 무지개를 만든다. 첨단 센서가 장착된 텅 비어 으스스한 두개골에도 불구하고, Haug는 아름다움과 소름이 역설적으로 섞인 작품이다. Sedlmair 는 "조금 기괴해 보이지만, 이것은 아름다움을 창조할 수 있는 능력도 있습니다."라고 설명했다.

Bad Databrunn: On Bladders, Rainbows, and Less Screen Time 전시회의 일부인 이 설치물은 블랙 포레스트의 자연 및 산업 유산에 뿌리를 두고 있으며, 전형적 프레임에서 벗어나 야외로 연결되도록 큐레이션되었다. 지역 청동 제조업체 및 물리학자와 3년 이상 협업하여 개발한 Haug는 전통적인 장인 정신을 재구성하여 빛과 물의 역동적이고 초현실적 변형을 만들어낸다. 이 지역의 햇빛과 강 풍경에 대한 두 사람의 사랑은 대기 광학의 지속적인 탐구로 '강 위에 우뚝 솟은' 무지개라는 개념을 만들어냈다 .

 

the mystical creature sprouts an ephemeral mist across the water

Haug’s rainbow is only visible at certain moments throughout the day, and in certain weather conditions


 

5. CENTRE POMPIDOU, 파리 2024 올림픽 폴리크롬 스케이트보드장

in time for Paris 2024 Olympic Games, Centre Pompidou welcomes Raphaël Zarka’s Cycloïd Piazza

파리 2024 올림픽을 기념하여 파리 퐁피두 센터 광장에 프랑스 아티스트 Raphaël Zarka의 컬러풀한 스케이드보드장 ‘사이클로이드 피아자’가 설치됬다. 건축가 Jean-Benoît Vétillard와 협업하여 만든 이 설치물은 예술, 물리학, 스케이트보딩 문화를 결합하여 갈릴레오의 16세기 사이클로이드 곡선(가장 빠른 하강 경로)에서 영감을 받아 Katarzyna Kobro와 Sonia Delaunay와 같은 선구적인 예술가의 모더니즘 및 구성주의적 영향을 혼합했다. 빨간색, 녹색, 노란색 음영이 특징인 팔레트는 르네상스 색조와 르 코르뷔지에의 1931년 모더니스트 색상 모두를 떠올리게 한다.

‘광장 위의 광장(piazza on a piazza)'으로 디자인된 이 구조물은 경사로, 난간, 계단, 연단, 통로를 통합하여 스케이터, 관객, 방문객이 참여할 수 있는 다목적 공간을 조성한다. 이 설치는 2011년 뉴욕에서 시작된 Zarka의 스케이트 가능한 조각 시리즈의 네 번째 작품이다. 스케이터이자 A Chronicle of Skateboarding 1777-2009를 포함하여 스케이트보딩에 대한 여러 권의 책을 쓴 Zarka는 이 프로젝트를 공간적 역학과 움직임에 대한 그의 연구의 정점으로 보고있다.

 

view from above of the skateable sculpture at Centre Pompidou’s Piazza

the skateable sculpture has the ochre colors of red, green, and yellow


출처 : Designboom.com

Chanel, 글로벌 페스티벌에서 영화 ‘The End’ 지원

Art

 

샤넬 하우스는 조슈아 오펜하이머의 ‘The End’, 세계의 종말을 다룬 골든 에이지 뮤지컬이 영화로 제작되도록 지원했다. 이 영화는 8월 31일 텔루라이드 영화제에서 초연되었고, 토론토 국제 영화제와 산 세바스찬 영화제에서 상영되었다.

기후 재앙과 사회적 불평등으로 인한 위협에 대한 경각심을 불러일으키는 ‘The End’는 정직, 용서, 사랑의 중요성을 강조한다. 또한, 우리 모두와 소중히 여기는 모든 것이 궁극적으로 더 넓은 인류와 가족에 대한 포용이라는 것을 강조한다.

시칠리아와 독일의 소금 광산에서 촬영한 이 영화는 지하 0.8km에 있는 호화로운 벙커를 배경으로 하며, 그곳에서 살아남은 마지막 인간 중 한가족을 조명한다. 어머니(틸다 스윈튼), 아버지(마이클 섀넌), 아들(조지 매케이), 소녀(모세 잉그램). 조쉬 슈미트가 작곡한 음악을 배경으로 조슈아 오펜하이머가 가사를 낭송한다. 그리움이 가득한 노래를 통해 가족 구성원들은 희망, 사랑, 구원을 찾기 위해 고군분투한다.

샤넬은 이 기대되는 작품의 제작에 기여하여, 그들의 야심찬 창의성에 대한 참여와 헌신을 보여준다. 이것은 오펜하이머 감독의 첫 번째 서사적 장편 영화로, 베니스 영화제와 영국 아카데미 영화상을 수상하고 2014년과 2016년에 오스카상 후보에 오른 여러 다큐멘터리(2013년 The Act of Killing과 2015년 The Look of Silence)에 이은 작품이다. ‘The End’의 힘은 예술적 대담함, 사회적 긴박감, 10년 이상 샤넬의 홍보대사로 활동한 틸다 스윈튼이 이끄는 배우들의 연기에서 비롯된다.

그녀는 예술에 대한 열정을 가진 어머니로 분하며, 벙커라는 연약하고 인공적인 거품 속에서 아름다움을 보존함으로써 과거에서 벗어나기 위해 모든 역경을 이겨낸다. 그녀는 가족의 일상이 반복되는 막다른 길에 맞서 더 할 수 없는 우아함을 보여준다. 그녀의 옷차림은 자신의 입장을 고수하고, 자신의 존재를 주장하며, 위기에 처한 세상에서 자신의 트라우마를 억누르는 방식이다.

샤넬이 의상 디자이너 Frauke Firl과 협업하여 디자인한 10가지 실루엣은 단순한 의상이 아니라 틸다 스윈튼의 독특한 존재감을 다시 한 번 강조하는 서사적 중요성을 가지고 있다. 다양한 장면에서 이 여배우는 체크 무늬가 있는 트위드 슈트, 네이비 실크 파자마, 2021/22 Métiers d'art 컬렉션의 라발리에르 칼라가 달린 스커트와 블라우스의 붉은 실크 앙상블, ERES의 수영복, 샤넬의 신발과 주얼리를 착용한다. 모세스 잉그램이 연기한 캐릭터는 베이지색 골드 BOY·FRIEND 시계와 샤넬 제품 두 개를 착용하고 있는데, 영화를 위해 특별히 제작한 살구색 드레스와 2020년 봄-여름 오트 쿠튀르 컬렉션에서 영감을 받은 크림색 슈트이다. 영화 마지막에 입는 이 의상은 가족에 동화되는 행위의 상징이 되며, 망상과 환상 위에 세워진 커뮤니티의 편안함과 수용을 얻기 위해 과거를 포기하는 것으로 보인다.

 

출처 : 더임프레션닷컴

Pinterest가 예측한 2025년 패션 트렌드

Trend

 

Pinterest는 2025년 패션 예측을 공개하면서 향수, 지속 가능성, 대담한 자기 표현을 혼합한 5가지 독특한 트렌드를 공개했다. 해양에서 영감을 받은 ‘Fisherman Aesthetic’에서 중세풍의 ‘Castlecore’에 이르기까지, 이것은 세대별 스타일, 지속 가능한 라이프, 창의적인 개인 표현을 믹스하고 있다. 이 트렌드는 패션이 중심이긴 하지만 더 광범위한 문화적 변화에 대한 통찰도 가지고 있으며, 상당한 검색량 증가는 이러한 새로운 미학에 대한 소비자 관심이 커지고 있음을 나타낸다.

패션이 점점 더 개개인의 스토리텔링의 한 형태가 되어가는 세상에서, Pinterest의 최신 트렌드 예측은 내년의 스타일, 지속 가능성, 사회적 연결에 대한 설득력 있는 이야기를 제공한다.

디지털 트렌드 플랫폼은 2025년에 옷장과 사회적 상호작용을 재편할 것으로 예상되는 5가지 주요 미적 움직임을 파악했다. 각 움직임은 현대 문화의 흐름의 섬세한 반응을 반영하고 있다.


1. The Maritime Metamorphosis

"Fisherman Aesthetic"가 놀랍게도 선두 주자로 등장, 케이블 니트 스웨터에 대한 검색량이 110%나 급증했으며, 물고기 테마 액세서리가 우리의 상상력을 사로잡았다. 이 트렌드는 단순히 의류를 넘어 Z세대와 X세대 모두에게 공감을 불러일으키며 여유있는 해양에서 영감 받은 라이프스타일로 더 광범위한 문화적 변화를 나타낸다.

정어리에서 영감을 받은 문신(80% 증가)부터 실용적인 어부 샌들(30% 증가)까지 항해적 요소가 특징인 이 트렌드는 진정성과 소박한 스타일을 추구하는 집단적 열망을 보여줍니다.


2. Medieval Chic Meets Modern Sensibility

미니멀리즘 미학에서 벗어나 중세에서 영감 받은 "캐슬코어" 패션에 대한 검색이 110% 증가했다. 파란색 중세 드레스에 대한 관심이 85% 급증했고, 체인 목걸이와 앤틱 루비 반지는 역사적 낭만주의로의 복귀를 알린다.

이러한 추세는 단순한 옷차림에 그치지 않고 점점 디지털화되는 세상에서 스토리텔링과 현실 탈출에 대한 더 깊은 갈망을 시사한다.


3. Sustainable Futurism

‘Terra Futura’ 운동은 패션과 환경 의식의 중요한 교차점을 강조한다. 솔라 펑크 패션 검색이 무려 115% 증가하면서, 이 추세는 부머 세대와 X세대가 지속 가능한 삶을 열망의 라이프스타일로 재구상하고 있음을 보여준다.


4. Synchronised Style

"Seeing Double"은 집단 표현의 사회적 시대정신을 보여준다. 커플을 위한 매칭 의상이 90% 증가하고 친구간의 앙상블을 조정하는 내용이 60% 증가하면서, 이러한 추세는 팬데믹 이후의 연결과 공유의 경험에 대한 욕구를 반영한다.


5. Rebellious Bohemian Edge

‘Moto Boho’는 아마도 가장 극적인 패션 변화를 나타내며, Boho에서 영감을 받은 룩은 무려 755% 증가했다. 모토 부츠(445% 증가)와 슬라우치 백(345% 증가)은 과격하고 자유로운 미학과의 융합을 나타낸다.


이러한 위 트렌드들은 피상적인 패션 진술 이상이다. 지속 가능성, 세대 간 대화, 개인적 표현, 집단적 정체성에 대한 복잡한 사회적 서사를 나타낸다.

2025년이 다가오면서 이러한 트렌드는 점점 더 유동적이고 의미 있고 상호 연결된 패션 환경을 시사한다. 스타일은 단순히 외모에 관한 것이 아니라 스토리를 전달하는 것이 아닐까.

 

출처 : fashionunited.co.uk

Balenciaga 2024 가방 캠페인

2024 bag AD Campaign

 

포토그래퍼 Juergen Teller가 촬영한 Balenciaga의 새로운 캠페인 "This Is a Balenciaga Campaign"이 공개됬다.

이 캠페인에는 피사체를 모습을 생생히 담는 촬영 스타일로 차갑고 쉬크한 안경씬으로 화제였던 한국의 사격 올림픽 메달리스트 김예지 선수가 등장했다! 거기에 가수 Kim Petras를 비롯, 모델 Romeo Beckham, Sua Lee, Khadim Sock, 그리고 Akolde Meen가 담겨있다.

Juergen Teller는 그만의 시그니처인 라이브한 스타일로 Demna의 개인 빈티지 가구 컬렉션(이 컬렉션에서 그의 다소 과격한 취향이 드러난다)에 누워 있는 다양한 캐릭터들의 모습을 파리의 랜드마크와 다양한 지역에서 촬영했다.

이 캠페인은 Balenciaga의 기존 캠페인을 밀접하게 따른다. 지난주에 Demna가 iPhone으로 직접 촬영한 몇몇 사진에는 그의 엄지손가락이 함께 등장한다. 아이러니한 세련미의 접근 방식은 크리에이티브 디렉터의 브랜드 비전의 측면이지만, 최근 이 두 가지 사례는 가속화되고 있으며, 적어도 Demna가 더 직접적으로 참여한다는 의미에서 더 개인화 되고 있음을 보여준다. 무심한 제목과 함께, 이 캠페인은 Balenciaga의 쿨함에 대한 또 다른 도전적인 전문으로 자리 잡고 있다.

 

STAFF

Photographer | Juergen Teller
Models | Kim Ye-ji, Kim Petras, Romeo Beckham, Sua Lee, Khadim Sock, and Akolde Meen
Location | Paris


출처 : 더임프레션닷컴

Fortnum & Mason을 위한 새로운 크리스마스 패키지 제작

Design

 

런던의 유명 티브랜드 Fortnum & Mason은 3년 주기로 그들의 크리스마스 패키지를 바꾼다. 올해의 작업을 위해 그들은 지난 10년 동안 이 회사와 다양한 프로젝트를 진행해온 디자인 스튜디오 Otherway와 함께했다.

이번에는 기존의 고객층의 충성도를 유지하고, 특히 소셜 미디어에서 사진을 공유하는 음식 마니아들 사이의 젊은 층을 확보하는 것이 목표였으며, 100가지가 넘는 크리스마스 상품군 중 일부라는 점을 강조하면서도 모든 제품을 차별화할 수 있는 솔루션을 내놓아야 했다.

Fortnum의 패키지 책임자는 영국의 동식물을 활용하는데 관심이 있었기에 Otherway는 자연과 야생동물을 유쾌하고 즐거운 방식으로 묘사하는 아티스트를 찾아 에이전시와 갤러리를 뒤기지 시작했다.

이후 일러스트레이터 Olaf Hajek을 발견, 그에게 자연 세계의 이미지에 환상적인 요소를 추가하기를 부탁했다.

"그는 우리의 브리핑에 따라 스케치를 보내준 다음, 매우 세부적으로 직접 그린 버전들을 개발했습니다."라고 Otherway측은 덧붙였다.

또한 모든 제품에는 기하학적인 패턴이 있으며, 모두 조지 왕조 시대에서 영감을 받은 색상 팔레트로 표현되었다.

 
 

"이번 크리스마스 포장은 더 개방적이고 더 다채로워졌습니다." Otherway의 담당자는 이 말했다. "이것은 자연스러운 변화로 리브랜딩은 아닙니다."

이번 패키지를 위해 감독 마커스 아미티지가 제작한 제품을 소개하는 애니메이션 영화가 함께 선보인다.

Fortnum의 제품은 자체 매장과 온라인에서만 판매된다. 1707년 런던 피카딜리에서 설립된 이 회사는 현재 런던에 두 개의 다른 매장과 히드로 공항에 매장이 있으며, 2019년에서야 홍콩에 첫 해외 매장을 열었다.

 

출처 : designweek

패션의 새로운 정점? The North Face x Skims 콜라보 컬렉션 출시

Market

 

아웃도어 퍼포먼스웨어의 테크닉과 인플루언서의 유명세를 합친 The North Face와 Skims의 협업은 스키 슬로프를 내려와 스키 라운지로 전환할 수 있게 기획되었다. 이 컬렉션은 The North Face의 주요 디자인과 Skims의 시그니처인 몸에 핏되는 실루엣을 차분한 색상으로 적용, 기능성과 하이패션의 매력 사이의 격차를 메우는 것을 목표로 한다.

이 파트너십은 Skims가 Dolce & Gabbana, Swarovski와의 최근 협업을 발표했음에도 불구하고, 겨울 의류 분야에 다시 나타난 것을 의미한다. 12월 10일부터 출시되는 한정판 컬렉션에는 압축 베이스 레이어, 테크니컬 아우터웨어, 액세서리와 같은 품목이 포함되며, 가격은 60달러에서 1,200달러까지이다.

 

협업은 양날의 검일까?

이런 협업은 패션계에 널리 퍼져있지만, 이는 업계의 긴장이 더욱 커지고 있음을 반영한다. 한때 획기적인 파트너십에 국한되었던 협업 모델은 점점 더 과도하게 사용되는 마케팅 툴로 여겨지고 있다. 소비자들은 이러한 협업들에 피로감을 느끼기 시작했으며 모든 브랜드가 파트너십을 통해 과장된 제스춰를 취할 때, 눈에 띄기가 더 어려워졌다.

이러한 우려에도 불구하고 The North Face와 Skims의 결합은 브랜드가 어떻게 대상 고객을 확대하려고 하는지를 상징한다. The North Face의 경우, 이 협업은 Skims의 공동 창립자이자 전 세계적으로 추종자를 확보한 킴 카다시안의 영향력있는 세계로의 진입을 제공받는다. 반대로 Skims는 The North Face의 혁신적인 기술과 아웃도어 명성에서 혜택을 받기 위함이다.

캠페인 비주얼에 등장하는 킴 카다시안은 "The North Face와 협력함으로써 솔루션 기반 디자인 정신을 새로운 범주로 가져올 수 있었습니다."라고 말했다. "제가 슬로프에서 보낸 많은 시간들이 이 컬렉션을 개발하는 데 영감을 주었습니다."

The North Face의 협업 및 에너지 책임자인 데이비드 웻스톤은 다음과 같이 언급했다. "The North Face는 항상 문화를 주도하는 혁신적인 브랜드에서 영감을 받습니다. Skims와 협업함으로써 고객이 기대하는 성능과 기능을 유지하면서도 디자인의 영역을 넓힐 수 있었습니다."

이 콜라보레이션의 바네사 비크로프트와 도나 트로프가 촬영한 두 가지 캠페인이 공개됬는데, 바람이 휘몰아치는 칠레의 봉우리에 다운 원피스와 심 테이핑 팬츠와 같은 아이템을 입은 카다시안 본인이 모델로 등장했다.

익스클루시브 시스템을 강화하기 위해 이 컬렉션은 두 브랜드의 뚜렷한 정체성을 혼합한 일련의 고급 컨셉의 디스플레이를 보여줄 예정이다.

 

이 전략의 성공은?

협업이 무대에 오르며, 이러한 파트너십을 둘러싼 과장 광고가 혼란한 시장속에서 지속될 수 있을지는 여전히 의문으로 남아 있다. XXS에서 3X에 이르는 다양한 제품과 기능성에 관해 이 컬렉션은 모회사의 정체성을 희석하지 않으면서도 광범위하게 어필하고자 한다. 그러나 이 협업은 그 이상의 더 큰 트렌드를 강조한다. 즉, 서로 다른 브랜드의 결합을 통해 문화적 관련성을 끊임없이 추구하는 것이다.

 

출처 :fashionunited.uk

Pantone, 2025년 올해의 색상으로 ‘Mocha Mousse’ 선정

Market

 

최근 몇 년 동안 Pantone은 그해의 색상으로 코지 피치 , 활기찬 레드, 페리윙클 블루를 선택했다 . 다가오는 2025년, 색상의 세계적인 권위자 팬톤은 편안함과 웰빙에 대한 소비자들의 욕구를 반영하는 감각적이고 편안한 부드러운 브라운 컬러 '모카 무스'를 선정했다.

공식적으로 팬톤 17-1230으로 알려진 '모카 무스'는 카카오, 초콜릿, 커피의 따뜻하고 풍부한 갈색 색조로, "그것에서 영감받은 즐거움과 맛"이라는 능력 때문에 선택되었다.

Pantone Color Institute의 전무 이사인 Leatrice Eiseman은 성명에서 "일상적인 즐거움에 대한 열망을 바탕으로 Pantone 17-1230 모카 무스는 깊은 탐닉을 표현합니다. 세련되고 호화롭지만 동시에 소박한 클래식입니다.”라고 말했다.

또한 "모카 무스는 갈색에 대한 우리의 인식을 겸손하고 현실적인 것에서부터 야망과 사치스러움까지 포용하는 것으로 확장시킵니다. 미묘한 우아함과 흙빛의 세련미가 스며든 모카 무스는 단정하고 도도한 매력을 선사하며, 풍미 있고 감각적인 따뜻함으로 우리를 감싸줍니다."라고 덧붙였다.

Pantone은 자연의 세계와 더 긴밀해지는 움직임을 브라운 색조를 통해 보이고 있다고 덧붙였으며, 유기적 특성을 가진 '모카 무스’가 우리의 물리적 환경의 생계를 존중하고 수용한다고 말한다. 또한 연상적인 부드러운 브라운이 현대와 시대를 초월한 아름다움 사이에서 ‘조화와 균형’을 찾는다고 믿는다.

Pantone Color Institute의 부사장인 로리 프레스먼은 다음과 같이 언급했다. "조화에 대한 끊임없는 추구는 관계, 우리가 하는 일, 사회적 관계, 우리를 둘러싼 자연 환경을 포함한 우리 삶의 모든 측면에 스며듭니다. 조화는 만족감을 가져다주고, 내면의 평화, 평온, 균형의 긍정적인 상태를 고취시키며, 우리 주변 세계와 조화를 이룹니다. 조화는 연결과 통합의 문화와 우리의 정신적, 영적, 신체적 웰빙의 종합을 포용합니다.”

"이를 염두에 두고, Pantone Color of the Year 2025를 위해 편안함과 웰빙에 대한 우리의 욕구와 다른 사람들에게 선물하고 공유할 수 있는 단순한 즐거움에 대해 맞는 색상을 찾았습니다."

'모카 무스'는 고급스럽고 야심찬 브라운입니다.

Pantone은 '모카 무스'가 패션 산업에 “풍부한 중간톤”을 선사할 것이며, 브라운의 인식이 흙빛에서 더욱 고급스럽고 야심찬 톤으로 확장될 것이라고 밝혔다. 또한, 그 감각적 따뜻함이 부드러운 촉감의 직물, 버터 같은 질감의 가죽과 스웨이드, 푹신한 벨벳, 캐시미어, 앙고라와 털 많은 니트, "포근하게 감싸 안는" 모피 니트에 어필할 것이라고 덧붙였다.

동시에, Pantone은 '모카 무스'가 가벼운 느낌을 주기 때문에 투명하고 가벼운 쉬폰, 실크 같은 질감과 유동성있게 드레이프된 우아한 새틴과 저지 원단에도 적합하다.

액세서리의 경우, 부드러운 브라운 색조는 어떤 색상과도 어울릴 수 있으며, "따뜻함과 세련된 고급스러움"으로 모든 앙상블을 완벽하게 가져다 준다. 두꺼운 니트에서 플러시 스카프에 이르기까지 부드러운 색상이 가져다주는 아늑함을 수용하는 반면, 안경, 가방, 금속 주얼리 같이 단단한 액세서리는 광택 또는 무광 마감으로 "고급스러운 세련미"를 도입한다.

헤어와 뷰티는 '모카 무스'의 따뜻한 빛의 다양한 스펙트럼에 걸쳐 각 피부 톤의 내재된 광채를 일깨우고 "새로움과 미묘한 세련미를 제공하고, 럭셔리의 순수하고 유기적인 접근 방식을 촉진합니다." Pantone은 또한 모카 무스가 매트와 광택 잘 적용되는 다재다능한 색조이며, 다른 많은 색상과도 혼합하기에 적합하며, 메탈릭한 마감을 위한 완벽한 베이스 역할을 한다고 덧붙였다.

 

출처 : fashionunited.uk

Z세대, 디지털 리세일 경제의 선구자

Market

Z 세대 기업가 / Credits: Pexels

 

Whop(www.whop.com)의 최근 조사에 따르면, 40만 명이 넘는 미국의 10대 청소년이 중고품 판매로 수입을 창출하면서 새로운 10대 기업가들이 온라인 시장을 변화시키고 있다고 한다.

12~18세 청소년 1,655명을 대상으로 한 연구로 보다 자세한 디지털 경제 환경이 드러났다. 의류 재판매가 가장 두드러진 수입원으로 부상했으며, 청소년의 16.69%가 온라인 플랫폼을 활용하여 그들의 옷장을 수익화했다.


디지털 수입 스트림

10대들은 다양한 채널을 통해 온라인 수입을 얻고 있다.

  • 의류 및 액세서리 판매: 16.69%

  • 비디오 게임 스트리밍: 10.09%

  • 게임 내 화폐 : 10.79%

  • 게임 토너먼트 상금: 9.20%

  • 상품 리뷰 : 8.75%


시장 동향

중고 시장은 상당한 성장세를 보였다. 선두적인 온라인 시장인 ‘Vinted’는 지난 4년 동안 사용자를 3배로 늘렸으며, Gen Z가 판매 활동을 주도했다.

특히, 10대의 42%가 이제 온라인에서 돈을 벌고 있으며, 이는 젊은 세대가 소득을 얻는 방식에 근본적인 변화가 있음을 보여준다. 32%는 의류 리세일을 가장 지속 가능한 디지털 소득의 기회로 보고 있다.


산업 관점

Whop의 최고 성장 책임자 캐머런 주브는 "사람들이 생계를 유지하는 방식이 변화하고 있습니다."라고 말한다. "젊은 세대는 전통적인 고용 모델을 초월하는 기업가적 사고방식을 보여주고 있습니다."

이 연구는 청소년이 단순한 소비자가 아니라 적극적인 시장 참여자가 되는 새로운 디지털 경제를 강조한다. 진입 장벽이 최소화되어 노트북은 재정적 독립으로 가는 잠재적 관문이 되었다.

Whop의 ‘미국 10대 디지털 수익 보고서 2024’의 핵심은 기술과 경제적 기회의 세부적인 생태계를 보여준다. 데이터에 따르면 평균 10대는 매일 거의 5시간을 소셜 미디어 플랫폼에 할애하며 이는 수동적 소비를 훨씬 넘어서는 디지털 라이프를 강조한다. 미국 10대의 기술 인프라는 거의 어디에나 존재하며, 95%가 스마트폰에 접근 가능하고 90%가 데스크톱이나 노트북 컴퓨터를 가지고 있으며, 83%가 게임 콘솔을 소유하고 있다.

가장 눈에 띄는 것은 디지털 기업가의 마이크로 분류의 등장이다. 약 625명의 고등학생 중 1명(10대 인구의 0.16%)이 연간 10,000달러를 초과하는 디지털 수입을 창출한다. 이는 온라인 플랫폼을 상당한 수입원으로 전환한 40,000명 이상의 미국 10대에 해당한다. 이 수치는 디지털 네이티브가 온라인과 기술을 활용, 점점 더 많은 수익을 창출할 수 있게 되면서 경제 참여가 근본적으로 재구조화되었음을 보여준다.

 

출처 : fashionunited.uk

Bottega Veneta, 제4회 ‘Bottega for Bottegas’ 발표

Design

이번 쇼케이스는 베니스 지역에 뿌리를 둔 장인들을 기념했다.

 

Bottega Veneta는 장인 정신에 대한 찬사의 일환인 "Bottega for Bottegas"로 4번째 이니셔티브를 시작했다. 올해의 쇼케이스는 베니스와 그 인근 지역의 소규모 장인 6명을 선발, 브랜드의 베네치아 근본과 수공예에 대한 경외를 보여준다.

12월 한달 동안 Bottega Veneta의 웹사이트, 뉴스레터, 광고, 윈도우 디스플레이는 Fonderia Artistica Valese, Signor Blum, Modiano, Laguna~B, Bruno Amadi, Wave Murano Glass의 작품들로 꾸며진다. 주요 품목에는 황동 오브제, 나무 퍼즐, 유리 제품, 가죽 케이스가 있는 트럼프 카드 세트가 있으며, 각각의 제품들은 베니스의 풍부한 문화와 전통을 반영한다.

2021년 팬데믹 기간 동안 소규모 장인을 지원하기 위해 시작된 "Bottega for Bottegas"는 이제 장인 정신을 기념하는 연례 행사가 되었다. 첫 해에는 이탈리아 전역의 장인들을 선보였으나 그 후의에는 이탈리아의 영향을 받은 글로벌 참가자가 포함되었으며, 작년에는 이탈리아, 대만, 중국, 한국의 공예가 포함되었다.

올해의 컬렉션은 브랜드의 정체성을 대표하는 베네치아 문화에 집중하며 Bottega Veneta의 공예와 혁신을 강조하고 있다.

 

출처 : 더임프레션 닷컴

Songzio, 파리 플래그십 스토어 오픈

Space

SONGZIO 파리 부티크, 한국적 모더니즘과 파리 고전주의의 융합

 

한국 패션 하우스 SONGZIO가 마레 지구10 rue Charlot에 파리 첫 번째 부티크를 오픈했다. 이 매장은 파리 고전주의와 한국적 모더니즘의 조화를 선보이며 브랜드에 중요한 이정표를 세웠다. 크리에이티브 디렉터 Jay Songzio가 파리에 있는 건축 스튜디오 Hypnos XP와 작업한 이 부티크는 오스만 거리 풍경 속에서 돋보이는 브루탈리즘 미학을 가지고 있다.

부티크의 컨셉인 이중성을 중심으로, 질서와 무질서, 빛과 어둠, 고전과 아방가르드와 같은 상반된 요소를 균형 있게 보여준다. 이 철학은 이번 디자인의 핵심이며 통일된 공간에서 대조의 공존을 반영한다. 그림에서 영감을 얻어 시작된 이러한 창의적인 접근 방식은 정교하게 제작된 브랜드 컬렉션으로 이어진다.

SONGZIO는 이 플래그십 스토어를 통해 방문자들을 그들의 전통과 혁신을 연결하는 독특한 관점을 보여주며 판매뿐 아니라 브랜드의 예술적 비전을 대중에게 알리는 역할을 하고 있다.

 

출처 : 더임프레션 닷컴

Balenciaga의 시티백 가을 캠페인

Fall 2024 Ad Campaign

 

발렌시아가는 유명 감독이자 사진작가인 Lauren Greenfield와 협업한 시티백 2024 가을 캠페인을 공개했다. 이 캠페인은 전형적인 런웨이 컨셉을 피해, 시선을 쇼를 관람하는 관객에게 돌리는 영리한 반전을 주었다. 이것은 프런트 로우는 중심에는 늘 그 시대 패션산업의 뮤즈이자 거울이 되는 인물들이 자리잡기 때문이기도 하다.

캠페인의 무대 디자인은 Balenciaga 쇼의 앞줄에 있는 관음적인 분위기를 훌륭하게 재현했다. 또한 렌즈를 자체를 관객들에게 돌려 패션 산업의 변화로 우선순위가 소비자에게 있음을 암시한다. 발렌시아가의 시티백이 한때 한 시대를 풍미했듯, 이 캠페인은 그것이 다음 시대로 진화한것을 보여준다.

 

STAFF

Creative Director & Photographer | Lauren Greenfield
Models | Sua Lee, Paloma Elsesser, Mika Schneider, Devon Lee Carlson, Pernille Teisbaek, Livia Nunes Marques, Camille Charriere, Justine Skye, Dixie D’Amelio, Olympia of Greece